10 nhà thiết kế nội thất nổi tiếng nhất thế giới là ai? Thành công chỉ sau một đêm là rất hiếm trong ngành thiết kế nội thất. Hầu hết các nhà thiết kế nội thất nổi tiếng đã dành nhiều năm làm việc chăm chỉ với khách hàng, phát triển liên tục các dòng sản phẩm và xây dựng thương hiệu của họ một cách bền bỉ. Để trở thành một cái tên quen thuộc đòi hỏi sự làm việc liên tục và có những sản phẩm đẳng cấp và được ghi
nhận. Nếu bạn là người yêu thích và đam mê thiết kế đẹp giống như Azio, chắc chắn bạn có thể có các cataloge về tất cả các món đồ nội thất mới nhất, xu hướng theo mùa, các mặt hàng thịnh hành và đồ sưu tầm và ai là người có chúng. Ngoài ra bạn
nên biết danh sách các nhà thiết kế nội thất đã làm nên lịch sử và những người đi đầu trong lĩnh vực thiết kế nội thất ngày nay. Hôm nay, chúng ta nói về những nhà thiết kế nội thất giỏi nhất trên thế giới và lý do tại sao chúng ta kinh ngạc về những thiết kế từng đoạt giải thưởng của họ. Kiến trúc và thiết kế nội thất không phải là nghề cố định. Phong cách, xu hướng, công nghệ, thị hiếu không ngừng phát triển. Dưới đây là lời chào của chúng tôi đối với 10 nhà thiết kế nội
thất đã đoạt những giải thưởng uy tín, vượt qua những những thách thức tự đặt ra và còn vượt quá mọi sự mong đợi với các thiết kế của họ. Đọc thêm: Những được điểm của phong cách thiết kế Tropical Axel Vervoordt [sinh ngày 29 tháng 6 năm 1947 tại Antwerp] là một nhà thiết kế nội thất và buôn đồ cổ và nghệ thuật người Bỉ , là thành viên của AD100 Hall of Fame. Anh ấy là nhà thiết kế nội thất của nhà Kanye West và Kim
Kardashian. Ngoài ra, danh sách khách hàng của ông còn có Robert De Niro, Bill Gates, Sting và Calvin Klein. Anh ấy có hành nghề thiết kế nội thất, một quỹ riêng có tên là Axel and May Vervoordt Foundation và các phòng trưng bày nghệ thuật ở Antwerp và Hồng Kông. Đọc thêm: Phong cách thiết kế nội thất tối giản10 nhà thiết kế nội thất nổi tiếng:
1. Axel Vervoordt
Axel Vervoordt được biết đến với sự hiểu biết tinh tường về không gian và màu sắc cũng như con mắt tinh tường đối với đồ cổ và đồ trang trí. Nguyên tắc cốt lõi của studio thiết kế Axel Vervoordt là một ngôi nhà phải là sự thể hiện tâm hồn của chủ nhân. Hương vị hoàn hảo của anh ấy thể hiện trong bộ sưu tập cá nhân cũng như các thiết kế của anh ấy.
Sự pha trộn của các yếu tố và màu sắc trung tính tương phản với các món đồ nội thất và đồ cổ đậm màu sắc. Chính sự pha trộn tinh tế vượt thời gian và những ý tưởng tối giản hiện đại đã khiến ông trở thành một trong những nhà thiết kế nội thất được săn đón nhiều nhất ở Los Angeles và trên toàn thế giới.
2. Elsie de Wolfe
Tên đầy đủ là Ella Anderson de Wolfe [1859 – 1950] là một nữ diễn viên sân khấu của thành phố New York, người đã đào sâu vào một xưởng thiết kế và bắt đầu với tư cách là một nhà trang trí vào năm 1904. Cô cũng đã thiết kế rất nhiều phim trường của mình.
“Tôi tin vào sự lạc quan và màu sơn trắng”, là những từ mà mọi nhà thiết kế đều quen thuộc. Cô cũng là mẹ của nghề thiết kế nội thất hay nhà tạo mẫu nội thất. Các bản in động vật là một trong những đóng góp đáng chú ý và đáng nhớ nhất còn tồn tại trong thế giới hiện đại.
Mặc dù sự nổi tiếng của cô ấy có thể bắt đầu từ sân khấu kịch, nhưng sự thành công trong xã hội của cô ấy được hỗ trợ bởi sự khéo léo trong việc trang trí căn phòng và ngôn ngữ thiết kế thương hiệu của cô ấy: đồ nội thất đồng quê Pháp, họa tiết da báo, hoa nhiệt đới, ngựa vằn, được nhân đôi và thậm chí cả tấm phủ tường bằng hoa, và đôi khi phòng tắm được trang trí như phòng khách. Có thể dễ dàng nhìn thấy các thiết kế và hoa văn thương hiệu của cô trong bức ảnh này về một căn phòng trong ngôi nhà Versailles Villa Trianon của cô.
Các công trình của Wolfe cũng bao gồm việc tu sửa khét tiếng Câu lạc bộ Thuộc địa, một hội phụ nữ ở Manhattan, New York. Việc cô sử dụng giàn che làm bóng râm cho tường nội thất là một biểu tượng và mang tính đột phá.
3. Billy Baldwin
William Williar Baldwin, Jr., sinh năm 1903 trong một gia đình ở Baltimore và lớn lên trong ngôi nhà được thiết kế bởi kiến trúc sư nổi tiếng ở New York Charles A. Platt, nơi “Tôi được cha mẹ tặng cho sự trải nghiệm tuyệt vời khi được trang trí căn phòng của mình hoàn toàn từ đầu đến cuối, bao gồm cả đồ nội thất.”
Billy Baldwin có lẽ là nhà thiết kế nội thất duy nhất ghét thuật ngữ này. Anh ấy thích được biết đến như một ‘nhà trang trí’ mặc dù những đóng góp và cách tiếp cận của anh ấy để thiết kế một ngôi nhà đã giúp anh ấy vượt qua cả danh hiệu mà anh ấy thích. Ngoài việc trở thành một người theo chủ nghĩa tối đa, Billy Baldwin cũng không hẳn là một người theo chủ nghĩa tối giản. Chất lượng và sự thoải mái là nguyên tắc chỉ đạo của Baldwin. Anh ấy tin tưởng vào việc xây dựng từ “những mảnh xương tốt” của một không gian.
Kiến trúc gần như là yếu tố chính trong các dự án của ông, đối với ông quan trọng hơn nhiều so với trang trí. “Quy mô và tỷ lệ mang lại sự hài lòng vĩnh viễn mà không thể đạt được chỉ bằng cách đóng băng chiếc bánh”, là một số từ nổi tiếng nhất của Baldwin.
Ngoài trang trí, thiết kế đồ nội thất và là niềm yêu thích của các khách hàng cao cấp ở California và Hollywood, Billy Baldwin đã được thêm vào Danh sách Trang phục Đẹp nhất Quốc tế năm 1974.
Người ta nói rằng tất cả những người đàn ông vĩ đại đều lập dị. Anh ấy chắc chắn đã gặp phải những nhà thiết kế khác trong cách tiếp cận của mình. Nhiều nhà trang trí trong thời đại của ông đã loại bỏ đồ đạc cá nhân của khách hàng và bắt đầu bằng một phiến đá trống, mặc dù ông chỉ sử dụng chúng trong thiết kế.
Bất cứ dự án nào anh ấy làm, quy mô và tỷ lệ đều là những nguyên lý thống trị của anh ấy. Từ việc làm lại nội thất của căn hộ Waldorf Towers của Cole Porter đến ngôi nhà của Jackie O trên Skorpios – hay thay đổi hoàn toàn phòng khách Soho Park Avenue của Diana Vreeland – Baldwin đã khiến giới thiết kế kinh ngạc với các dự án nhà ở, nhà phố và Victoria của mình.
4. Kelly Wearstler
Kelly Wearstler sinh năm 1967 tại Myrtle Beach, Nam Carolina và lớn lên ở Myrtle Beach. Cha cô là một kỹ sư và mẹ cô là một nhà buôn đồ cổ .
Một trong nhà thiết kế nội thất nổi tiếng nhất đương đại được tôn kính và săn đón nhất ở Hoa Kỳ và trên toàn thế giới, Kelly Wearstler đã đánh dấu lãnh thổ của mình trong ngành bằng cách từ chối tuân theo những khuôn mẫu nhàm chán, thông thường. Cô trở nên nổi tiếng hơn 20 năm trước khi Giám đốc điều hành của Tập đoàn xây dựng Kor, tiếp cận Kelly Wearstler mới nổi khi đó để thiết kế một phòng mẫu cho khách sạn Avalon ở Beverly Hills, California.
Phương châm sống của Kelly Wearstler là ‘Hãy mạo hiểm, bạn không có tiếng nói nếu bạn không làm gì. Bạn phải mạo hiểm bên ngoài ranh giới của bạn. Đó là cuộc sống.”
Kelly Wearstler được biết đến với việc tiếp cận thiết kế như một quá trình trực quan. Sự khéo léo của cô ấy trong việc kết hợp màu sắc, hoa văn và đường nét bất ngờ với đồ nội thất hoàn hảo. Cô mô tả thiết kế là “yêu đi yêu lại”. Cô đã lọt vào danh sách AD100 của tạp chí Architectural Digest uy tín về các nhà thiết kế nội thất giỏi nhất trên toàn thế giới và hạng A của Elle Decor. Với phong cách độc đáo của mình trong việc pha trộn các thời đại khác nhau của đồ nội thất, pha trộn màu sắc một cách tinh tế, cô ấy đã tạo nên một cuộc cách mạng cho bộ mặt thiết kế đương đại của Mỹ.
Là một nhà thiết kế nội thất, Kelly Wearstler tìm thấy ảnh hưởng trong Chủ nghĩa hiện đại và sự quyến rũ của Hollywood xưa được tạo ra bởi Dorothy Draper và William Haines, công việc của kiến trúc sư Aldo Rossi. Phong cách của cô đã được mô tả như là Regency và Maximalism. Cô được ghi nhận, cùng với Jonathan Adler và Miles Redd khi mang hoa hồng và trang trí trở lại thiết kế nội thất, pha trộn các thiết kế hiện đại và lịch sử, như gương Rococo trên bức tường sơn màu ngọc lam, được tạo điểm nhấn bởi tấm thảm lông. Wearstler thăm các nhà đấu giá để thu thập đồ nội thất và trang trí cho các dự án. Trong nhiều nội thất khách sạn mà cô đã thiết kế. Wearstler tin rằng sự bừa bộn là món đồ lớn nhất trong trang trí nhà cửa.
Các công trình nổi tiếng của cô: Khách sạn và Khu dân cư Viceroy, Bốn mùa của Anguilla và Khách sạn thích hợp ở San Francisco và Austin. Ngoài danh mục khách sạn mạnh mẽ, cô cũng đã thiết kế những kiệt tác nhà ở cho Ben Stiller, Cameron Diaz và Gwen Stefani.
5. Albert Hadley
Tên đầy đủ Albert Livingston Hadley Jr. [18/11/1920 – 29/3/2012] là một nhà thiết kế và trang trí nội thất người Mỹ.
Albert Hadley, một trong những nhà thiết kế hàng đầu ở New York là thành viên của Parish-Hadley, một công ty thiết kế nội thất do Dorothy “Sister” Parish [1910-1994] và Hadley [1920-2012] điều hành. Công ty thiết kế có trụ sở tại Manhattan này đã giữ vị trí là một trong những tổ chức thiết kế chip xanh của Hoa Kỳ trong nhiều thập kỷ. Albert Hadley được biết đến với sở trường về sự quyến rũ và chức năng trong đám cưới, một đặc điểm mà không nhiều nhà thiết kế có thể tự hào.
Được yêu mến gọi là “Trưởng khoa trang trí Mỹ”, Hadley có một danh sách khách hàng ấn tượng – Stor, Mellon, Getty, và Rockefeller là một vài trong số đó. Mặc dù vậy, anh ấy tin rằng “Tên tuổi không thực sự là vấn đề”, anh ấy nói trong một cuộc phỏng vấn với Tạp chí New York vào năm 2004. “Đó là những gì bạn có thể đạt được đối với một người đơn giản nhất. Sự quyến rũ chỉ là một phần của nó, không phải là bản chất. Thiết kế là về kỷ luật và thực tế, không chỉ là tưởng tượng ngoài chức năng và thực tế ”.
Là một người đàn ông ở Tennessee, Hadley được biết đến với những thiết kế hiện đại với những gợi ý tinh tế về nhiều phong cách thiết kế khác như truyền thống, tương lai và trang trí nghệ thuật. Cảm giác cân bằng bẩm sinh trong thiết kế là yếu tố chính giúp công việc của ông được đánh giá cao trên toàn thế giới.
Hadley và Parish được biết đến với những thiết kế thực sự lấy cảm hứng từ sự hiện đại của tương lai như Nhà Trắng Kennedy. Họ cũng là những người theo chủ nghĩa tối giản xuất sắc và những thiết kế truyền thống của họ đã thực sự đứng vững trước thử thách của thời gian và vẫn được các sinh viên thiết kế trên toàn thế giới nghiên cứu. Một trong những thiết kế mang tính biểu tượng nhất của họ vẫn là Phòng ăn ở New York của Giáo xứ.
6. Peter Marino
Peter Marino [sinh năm 1949] là một kiến trúc sư người Mỹ và là thành viên của Viện Kiến trúc sư Hoa Kỳ . Ông là hiệu trưởng của Peter Marino Architect PLLC, một công ty kiến trúc và thiết kế mà ông thành lập năm 1978. Công ty có trụ sở tại Thành phố New York với 160 nhân viên và văn phòng ở Philadelphia và Southampton.
Với vẻ ngoài đặc trưng của một tay chơi xe phân khối lớn thứ thiệt, Peter Marino dễ dàng gây ấn tượng mạnh lên người đối diện ngay từ cái nhìn đầu tiên. Combo ưa thích của ông là bộ trang phục da đen tuyền, kết hợp với bốt cao cổ và các phụ kiện khác như kính chuồn chuồn đen, găng tay da và nón lưỡi trai kiểu cảnh sát.
Ông không chỉ là một người hâm mộ cuồng nhiệt xe phân khối lớn mà còn là đại diện tiêu biểu cho tinh thần New York: độc đáo, cá tính, và rất sành điệu. Khởi nghiệp từ thập niên 70 với công trình đầu tiên là dự án cải tạo dinh thự cho Andy Warhol, cho đến nay Peter Marino trở thành tên tuổi thiết kế nội thất sáng giá nhất trong lĩnh vực thiết kế cửa hiệu và đại bản doanh cho các thương hiệu thời trang cao cấp như Louis Vuitton, Dior và Chanel.
7. Dorothy Draper
Dorothy Draper [1889 – 1969] là một người Mỹ da xanh đích thực và là một biểu tượng đích thực không chỉ của nước Mỹ mà còn là lịch sử thế giới về thiết kế nội thất.
Dorothy Draper sinh ra trong một gia đình giàu có và đặc quyền vào năm 1889, tại một trong những cộng đồng độc nhất trong lịch sử Hoa Kỳ, Công viên Tuxedo. Bà là người đầu tiên “chuyên nghiệp hóa” ngành thiết kế nội thất bằng cách thành lập, vào năm 1923, công ty thiết kế nội thất đầu tiên ở Hoa Kỳ, Dorothy Draper & Company, một công việc mà cho đến lúc đó chưa từng được biết đến, và cũng vào thời điểm nó được coi là dám cho một người phụ nữ tự kinh doanh.
Như Carleton Varney viết trong tiểu sử của người cố vấn của mình, The Draper Touch, cô đã cách mạng hóa khái niệm “thiết kế” bằng cách thoát khỏi phong cách “phòng thời kỳ” lịch sử vốn thống trị công việc của những người tiền nhiệm và đương thời của cô. Là một nghệ sĩ, cô ấy là một người hiện đại, một trong những người trang trí đầu tiên của giống chó này và là người tiên phong.
Cô đã phát minh ra “Modern Baroque”, một phong cách có ứng dụng đặc biệt cho các không gian công cộng lớn và kiến trúc hiện đại. Cô ấy khao khát không gian công cộng, bức tranh mà cô ấy thực hiện công việc truyền cảm hứng nhất của mình [ví dụ như nhà hàng tại Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan, New York, có biệt danh là “The Dorotheum”].
Các công trình tiêu biểu của bà gồm các khách sạn như Casino Hotel Quintandinha ở Brazil, Greenbrier ở Tây Virginia và khách sạn Fairmount nổi tiếng ở San Francisco. Sự thể hiện sự sang trọng của cô ấy với màu sắc và hoa văn sống động và sàn nhà màu đen và trắng đặc trưng có thể được nhìn thấy trong hình ảnh ở đây từ bên trong Greenbrier.
8. Philippe Starck – nhà thiết kế nội thất nổi tiếng nhất thế giới và cũng là thần tượng của những KTS Azio
Philippe Starck sinh năm 1949 tại Pháp. Ông được thừa hưởng tài năng thiết kế từ cha mình – một nhà thiết kế máy bay. Từ khi còn nhỏ, Philippe Starck đã tỏ ra đam mê và sáng tạo với công việc thiết kế. Ông thành lập công ty thiết kế từ khi mới 19 tuổi.
Từ đồ dùng đến nhà máy, căn hộ cho đến khách sạn, hầu hết các thiết kế của Starck đã phát triển để có được một lượng lớn người theo dõi. Các khách sạn mà ông đã thiết kế đã xác định cảnh quan thành phố toàn cầu hiện đại. Ông được công nhận lần đầu tiên vào năm 1982 khi ông thiết kế căn hộ của Tổng thống Pháp Francois Mitterrand.
Paradis du Fruit có lẽ là sáng tạo đặc trưng của ông cùng với Ghế ma và dãy đèn Ktribe đã thu hút sự chú ý của giới quý tộc Pháp và đã được trang hoàng trong lâu đài thượng lưu của Pháp và thậm chí là cung điện Élysée [dinh thự chính thức của Tổng thống Pháp].
Được biết đến với phong cách thiết kế dân chủ của mình, nhà thiết kế nhấn mạnh khái niệm vật thể tốt trước khi đẹp. Ông còn nhận được sự hoan nghênh rộng rãi khi đưa ra triết lý thiết kế bình đẳng mới nói rằng những thiết kế tốt phải có sẵn cho tất cả mọi người bất kể giá cả như thế nào.
Các công trình tiêu biểu của ông: Khách sạn Mama Shelter ở Marseille, Pháp là một dự án khác được mô tả như một trải nghiệm Alice ở xứ sở thần tiên với những điều bất ngờ ở mọi góc được đánh dấu bằng đồ nội thất đơn giản và bầu không khí rộng rãi.
9. David Hicks
David Nightingale Hicks [25 tháng 3 năm 1929 – 29 tháng 3 năm 1998] là một trong những tên tuổi nhà thiết kế nội thất nổi tiếng nhất nước Anh, nổi tiếng với việc sử dụng màu sắc đậm, pha trộn đồ nội thất cổ và hiện đại, và nghệ thuật đương đại cho khách hàng nổi tiếng của mình.
ANWM4Y David Hicks interior designer at homeDavid Nightingale Hicks bắt đầu sự nghiệp vẽ hộp ngũ cốc cho công ty quảng cáo J. Walter Thompson. Ông tốt nghiệp trường Cao đẳng Nghệ thuật Trung ương. Anh ấy đã trở nên nổi tiếng khi một bài báo trên tạp chí về sự trang điểm mà anh ấy thiết kế cho ngôi nhà của mẹ mình ở London, có thể được gọi là lan truyền. Đó là bước khởi đầu thực sự trong sự nghiệp trang trí và thiết kế nội thất của anh ấy.
Hicks thể hiện sở thích và phong cách của mình trong những năm 60 tự do, thời điểm có nhiều thay đổi về văn hóa và xã hội. Ông tránh xa các không gian truyền thống và cách tiếp cận nội thất hạn chế điển hình của người Anh để chuyển sang sử dụng các màu sắc tươi sáng bất ngờ và các họa tiết táo bạo. Nhưng ông không quay lưng lại hoàn toàn với truyền thống và đã pha trộn một cách thận trọng những món đồ cổ có vẻ xung đột với đồ nội thất hiện đại và nghệ thuật trừu tượng. Kết quả mới mẻ là điều mà chưa ai từng thấy trước đây trong thiết kế nội thất.
Trong cuốn sách DAVID HICKS ON LIVE – WITH TASTE xuất bản năm 1968, ông nói: “Đóng góp lớn nhất của tôi với tư cách là một nhà thiết kế nội thất là chỉ cho mọi người cách sử dụng hỗn hợp màu đậm, cách sử dụng thảm có hoa văn, cách chiếu sáng phòng và cách sử dụng trộn cũ với mới. “ Vì không có nhiều vào thời điểm đó,Thiên hướng tiên phong của ông đối với những màu sắc và hoa văn như vậy đã buộc ông phải thiết kế và tạo ra những tấm thảm, giấy dán tường, vải và khăn trải giường cho David Hicks Ltd., công ty cuối cùng đã có các cửa hàng ở tám quốc gia.
Các thiết kế của ông đã đến được phòng của Thái tử Charles và Công nương cũng như chiếc tàu viễn dương QE2 chịu ảnh hưởng của công nghệ và một chiếc du thuyền cho Vua Fahd của Ả Rập Xê Út. Hicks đã duy trì các thiết kế của mình đã sống cùng với các con gái của ông là Edwina Brudenell và India Hicks, cũng như Ashley của ông, một kiến trúc sư ở London.
10. Jonathan Adler
Jonathan Adler [sinh ngày 11 tháng 8 năm 1966 tại Bridgeton New Jersey ] là một thợ gốm, nhà trang trí nội thất và tác giả người Mỹ. Adler ra mắt bộ sưu tập gốm sứ đầu tiên của mình vào năm 1993 tại Barneys New York . Năm năm sau, ông mở rộng sang lĩnh vực nội thất gia đình, mở cửa hàng cùng tên đầu tiên của mình ở Soho, Manhattan . Hiện anh có 17 cửa hàng và điều hành một công ty kinh doanh nội thất gia đình cùng tên.
Published Credit: Juliana Sohn for The Wall Street Journal
Adler
Một trong những tên tuổi nhà thiết kế nội thất nổi tiếng nhất nước Mỹ đã phá vỡ quy ước trong thiết kế và thiết lập các xu hướng mới kể từ năm 1993 khi triển lãm đồ gốm của ông được ra mắt tại Barneys. Những thiết kế táo bạo và táo bạo của anh ấy đã khiến anh ấy trở nên nổi tiếng, sau đó anh ấy mở rộng danh mục đầu tư của mình từ gốm sứ sang mọi thứ về cơ bản mà nội thất yêu cầu. Ông được biết đến với những thiết kế kỳ quặc tạo ra bầu không khí nhẹ nhàng và gây cảm giác phản chiếu.
Ông sử dụng màu sắc đậm và sống động, đường nét sắc nét. Mặc dù đã ở đỉnh cao trong nghề nhưng Jonathan Adler vẫn chưa bao giờ hoàn thành chứng chỉ thiết kế nội thất của mình. Cách tiếp cận nhãn hiệu và sự tinh tế trong việc kết hợp màu sắc và hoa văn đã giúp anh không chỉ có một công ty thiết kế nội thất thành công mà còn có nhiều hợp đồng cấp phép với các công ty như H&M Home Store và Kravet. Ngoài việc làm việc trên các căn hộ mẫu và dinh thự riêng, studio thiết kế của Adler cũng đã thiết kế nội thất của Bãi biển Eau Palm và Parker Palm Springs. Anh ấy cũng có thương hiệu của riêng mình – “Now House”, theo đó anh ấy bán các tác phẩm và đồ nội thất của mình.
Phần kết luận
Đó là danh sách 10 nhà thiết kế nội thất huyền thoại và đương đại nổi tiếng nhất thế giới, được giới thượng lưu trên thế giới săn đón và ngưỡng mộ, kính trọng bởi mọi nhà thiết kế.
Chắc chắn những câu chuyện và sự sáng tạo tài hoa của 10 nhà thiết kế nội thất nổi tiếng nhất thế giới sẽ tạo cho bạn những cảm hứng, tăng thêm tình yêu với nội thất. Đặc biệt những bạn trẻ đang bước chân vào ngành sẽ có những hình tượng tuyệt vời, được truyền cảm hứng để từng bước phát triển và định hình phong cách thiết kế.
Nếu bạn nghĩ rằng chúng tôi đã bỏ lỡ một số cái tên tuyệt vời, hãy cho chúng tôi biết! Chúng tôi rất muốn biết nhà thiết kế nội thất yêu thích của bạn là ai.
Aziohome mong muốn đem lại những kiến thức quý báu này đến các bạn đang có dự định dựng xây một tổ ấm thực sự của mình.
Aziohome có đội ngũ Kiến trúc sư, Kỹ sư tài giỏi, đam mê, yêu nghề và dày dạn kinh nghiệm trong thiết kế kiến trúc nội thất. Chúng tôi lấy sự hài lòng của khách hàng làm mục tiêu lớn nhất và tự tin mang đến các mẫu thiết kế phong cách cùng dịch vụ chuyên nghiệp.
Hãy liên hệ ngay với Aziohome để được tư vấn tốt nhất!
CÔNG TY CỔ PHẦN KIẾN TRÚC VÀ NỘI THẤT HIỆN ĐẠI AZIOHOME
Địa chỉ: Tòa A1 Vinhomes Gardenia, Hàm Nghi, Nam Từ Liêm, Hà Nội
Hotline: 0925.11.4444 or 0989.991.266
Email:
Đăng nhập
Các thiết kế và ý tưởng của kỷ nguyên hiện đại đã tiếp tục định hình khuôn mặt của thiết kế đồ nội thất như chúng ta biết, và nhiều tác phẩm đó hiện là tác phẩm nghệ thuật được chứng nhận. Nếu bạn vẫn đang vật lộn để nói với Rams của mình từ Van der Rohe của bạn, hãy đọc tiếp theo một trường học kỹ lưỡng.
Thật dễ dàng để quên rằng chiếc ghế mà bạn đang ngồi là một phần của quy trình thiết kế không ngừng phát triển & nbsp; rằng & nbsp; kéo dài trở lại khá nhiều khi bắt đầu sự tồn tại của con người. Kể từ khi người đàn ông đầu tiên cần một nơi để ngồi [hoặc một kệ để lưu trữ đá của mình], thiết kế đồ nội thất là một phần cần thiết của cuộc sống. Đó là chính xác IKEA, nhưng nghiên cứu khảo cổ thực sự cho thấy nhân loại là & nbsp; tạo ra tủ, tủ quần áo, kệ và chỗ ngồi, tất cả các cách trở lại vào thế kỷ thứ tám trước Công nguyên.
Zap chuyển tiếp vài nghìn năm đến năm 1920, và thiết kế đồ nội thất đã tiến triển một chút. Trong thực tế, đó là khởi đầu của một cuộc cách mạng - một phong trào được gọi là chủ nghĩa hiện đại. Tác động xã hội mà chủ nghĩa hiện đại có đối với cuộc sống đương đại & nbsp; là rất lớn. Nó có một chút giống với hiệu ứng mà báo in có đối với tài liệu. Trước chủ nghĩa hiện đại, cồng kềnh, trọng lượng & nbsp; và & nbsp; đồ nội thất bằng gỗ đắt tiền là tiêu chuẩn. Sản xuất hàng loạt là có thể và một giá trị mảnh được đo lường hoàn toàn trong thời gian một nghệ nhân để làm cho nó.
Với sự phát triển của chủ nghĩa hiện đại, các kỹ thuật để tạo ra đồ nội thất đơn giản, có thể xếp chồng, có thể xếp chồng lên nhau có thể được cấp phép và sản xuất ở khắp mọi nơi. Các vật liệu và kỹ thuật mới-như thép hình ống và uốn gỗ-đã được thử nghiệm. Các nhà thiết kế và kiến trúc sư đã hợp tác trong các nhà sản xuất sáng tạo như Trường Bauhaus và De Stijl, và sau đó thông qua các nhà thiết kế đồ nội thất khổng lồ như Knoll.
Trọng tâm hiện đại là tạo ra đồ nội thất sạch sẽ, nhẹ nhàng, chức năng, với việc sử dụng vật liệu thông minh có thể được sản xuất hàng loạt trên toàn cầu. Tất cả mười lăm tác phẩm sau đây đều có thể được nhóm lại với nhau thành hiện đại, và trong khi có nhiều tác phẩm hiện đại khác có thể được gọi là "mang tính biểu tượng", đây là những tác phẩm mà chúng tôi tin rằng bất cứ ai có hứng thú với chủ đề & nbsp;
Mô hình: F 51 Ghép và Sofa Suite Designer: Walter Gropius Năm: 1920Year: 1920
Walter Gropius là người sáng lập Trường Bauhaus, và điều đó khiến ông trở thành một trong những ông nội của đồ nội thất hiện đại. Ông đã thiết kế chiếc ghế bành và ghế sofa F 51 vào năm 1920, đặc biệt là cho văn phòng đạo diễn tại Bauhaus - giải thích thiết kế hùng vĩ của nó. Khi bạn đã lột bỏ các lớp đệm hào phóng, F 51 có ý nghĩa đối với khung đúc hẫng của nó, có nghĩa là tay vịn nổi trên đệm và đáy ghế sofa không chạm đất. Điều này bù đắp hình thức nặng nề của nó, làm cho vật thể khổng lồ này dường như được đánh dấu. Kỹ thuật này sẽ tiếp tục ảnh hưởng đến các thiết kế ghế đúc hẫng của Mies van der Rohe, người có công việc & nbsp; cuối cùng đã xác định phần lớn đồ nội thất của ngày nay.
Mô hình: Mô hình B3 Thiết kế ghế: Marcel Breuer năm: & NBSP; 1925Year: 1925
B3 thường là & nbsp; được gọi là chủ tịch wassily, sau khi nhà thiết kế Marcel Brueur đã tạo ra một bản gốc của bản gốc cho nghệ sĩ nổi tiếng Wassily Kandinsky. Tác phẩm năm 1925 này là một khoảnh khắc Eureka trong việc sử dụng vật liệu cho thiết kế đồ nội thất. Brueur là một gia sư tại Bauhaus - và thường xuyên cưỡi một chiếc xe đạp ở đó. Ông nhận ra rằng nếu thép hình ống có thể được uốn cong và sử dụng cho tay lái xe đạp, nó cũng có thể được sử dụng để tạo ra đồ nội thất. Sau đó, anh ta đặt ra về việc đúc đường viền thanh lịch của B3. Kết quả là một khung hình giống như hồn ma của một chiếc ghế câu lạc bộ quý ông quá mức-& nbsp; chỉ là bộ xương, không có tất cả các đệm không cần thiết. Tuy nhiên, mỗi bit thoải mái như vậy. Việc sử dụng cách mạng của nó đối với thép hình ống sẽ tiếp tục thay đổi bộ mặt của thiết kế đồ nội thất mãi mãi.
Mô hình: Bauhaus Nesting Side Bàn thiết kế: Josef Albers Năm: & NBSP; 1926Year: 1926
Khi chúng ta nghĩ về Bauhaus hoặc đồ nội thất hiện đại, nó dễ dàng mô tả nó là tất cả các màu thép, thủy tinh và trung tính. Tuy nhiên, một số nhà thiết kế Bauhaus đã tạo ra đồ nội thất đóng vai trò là đại diện 3D trong công việc của họ & nbsp; với sơn và vải. Josef Albers là một trong những nghệ sĩ như vậy. Các tác phẩm nghệ thuật hai chiều của anh ta tôn kính [s] đối với Square xử lý màu sắc và hình học, trong khi các bàn làm tổ 1926-7 này thực sự đã thêm một chiều khác cho những tác phẩm đó. Mỗi & nbsp; được chế tạo từ thủy tinh lớp acrylic và gỗ sồi rắn, và sử dụng ba màu bauhaus chính: đỏ, vàng và xanh. Được thiết kế để hoạt động "độc lập và phụ thuộc lẫn nhau", chúng là một phương án sống, chức năng của thử nghiệm với hình học và hình thức.
Mô hình: LC4 Chaise Longue Designer: Le Corbusier, Pierre Jeannerret, Charlotte Perriand năm: & NBSP; 1928Year: 1928
Le Corbusier called the LC4 chaise longue a "relaxing machine." It’s built around the idea that, with the user always at the center of modernist design principles, both form and function could be placed specifically at the service of ergonomics. In other words, both the LC4’s geometry and its materials were designed with one thing in mind: ultimate comfort. After its exhibition at the three designers’ Le Equipment d’une Habitation stand at the Paris Autumn Salon in 1929, the LC4 went on to become one of the most well-known and most desirable pieces of 20th century furniture around.
Model: LC2 Grand Confort, Petite Modèle armchair Designer: Le Corbusier Year: 1928 As one of the undisputed pioneers of the modernist era, Le Corbusier once said, "chairs are architecture, sofas are bourgeois." The LC2 Grand Confort, Petit Modèle is as architecturally imposing a chair as you’re ever likely to sit on. Designed in 1928, it’s held together by an external, tubular steel "corset," and filled with a goose-down cushion, all resting on an L-shaped steel frame. Le Corbusier himself described it as a "basket of cushions." The cube shape was a response to club armchair design, and is a masterclass in simplifying, finessing and subtracting from something until only the fundamentals remain.
Model: Barcelona Chair Designer: Mies van der Rohe Year: 1929
Mies van der Rohe was a modernist colossus, dominating the worlds of both architecture and furniture design. The Barcelona Chair is perhaps his most iconic furniture piece. Its design is inspired by the "X" shapes of Egyptian folding chairs and Roman folding stools, and was intended to elevate these humble designs into a throne worthy of royalty [it was intended for the Spanish royal family to rest their weary legs at the 1929 Barcelona Exposition]. In 1930, Mies was named head of the Bauhaus, just before it was shut by the Nazis. It wasn’t until 1950 that he revisited the Barcelona Chair design, using updated techniques to create its cantilevered frame from a single piece of steel. This refined version was picked up by the Knoll furniture company and produced across the world. It’s still one of the most well-known chair designs on the planet.
Model: Stool 60 Designer: Alvar Aalto Year: 1933
The Alvar Aalto stool looks pretty simple – and that’s because it is, made from just three legs and one round seat connecting them all together. But this information belies the enormous amount of thought that went into its creation. Aalto once said "the chair leg is the little sister of the architectural column." He realized that it would be very easy to mass-produce these "columns" if you could only avoid the lengthy process of right-angled joints in wood. The way around this turned out to be to bend the wood itself, with Finnish birch proving to be the best choice. And thus, a whole new construction technique was born.
Model: Nelson Platform Bench Designer: George Nelson Year: 1946
The Nelson Platform Bench is the perfect demonstration of design as a "pivot point" that goes on to change the course of culture as a whole. It’s easy to look at this piece now and think "IKEA." But that’s precisely why it’s so important. It was designed in 1946, and at the time, its clean, rectilinear lines were shockingly new. George Nelson’s philosophy of "honest" design didn’t require the bench to be anything more than it was – no ornamentation, no frills, only function, flexibility and practicality. It’s easy to see the effect that it has had on much of the furniture of today.
Model: Noguchi Coffee Table Designer: Isamu Noguchi Year: 1947
One of modernism’s most interesting attitudes to form is the idea of clarity. The Noguchi Coffee Table has zero concealed parts: it’s made of just three components, all of which are revealed in their entirety. The sweeping lines of the table hint at designer Isamu Noguchi’s background as a sculptor. In fact, the 1947 Herman Miller catalogue described the coffee table as "sculpture for use." This masterpiece of product design is still licensed by Herman Miller today, with whom Noguchi enjoyed a long and productive relationship.
Model: Florence Knoll Sofa Designer: Florence Knoll Year: 1954
Florence Knoll is best known as the design director of the Knoll furniture company. She took over its day-to-day running from her husband, Hans Knoll, after he was killed in a car crash in 1955. Knoll, as a company, acted as a sort of record label for top-tier designers at the time, and Florence persuaded architects like Mies van der Rohe and Eero Saarinen to contribute furniture designs to its books. As such, Florence Knoll’s major contribution to furniture design was as a kind of creative director for the entire industry. Many of the company’s designs were also her own, all of which were a driving force in shaping the office aesthetic of the 1950s and ‘60s [much of which brings Mad Men to mind]. Her sofa is an iconic piece in its own right, and sums up her attitude to aesthetics: square geometry, a mix of textiles and steel, and a clean form that still looks fresh today.
Mô hình: Eames Lounge Ghế Thiết kế: Charles và Ray Eames Năm: 1956Year: 1956
Nhóm thiết kế chồng và vợ Charles và Ray Eames đã tạo ra tác phẩm mang tính biểu tượng này từ mong muốn cải thiện những chiếc ghế phòng chờ thường thấy trong nhiều tầng hầm của Mỹ. Mục đích của Eames Lounge Ghế rất đơn giản: sự thoải mái. Các nhà thiết kế cho biết họ muốn nó có "vẻ ngoài tiếp nhận ấm áp của một con trai đầu tiên của Baseman." Khi Chủ tịch và Ottoman được giới thiệu vào năm 1956, ý định giản dị này đã dẫn đến những điều lớn hơn nhiều. Thiết kế đã trở thành một trong những tác phẩm có thể nhận ra ngay lập tức nhất từ thế kỷ 20 & nbsp; và vẫn trông mới tươi như bây giờ & nbsp; như ngày nó được phát hành.
Mô hình: Ghế trứng Thiết kế: Arne Jacobsen Năm: 1958Year: 1958
Bạn đã nhìn thấy chiếc ghế trứng xung quanh: nó ở khắp mọi nơi. Ngay cả McDonald, cũng có quả trứng trong các cửa hàng swaner của họ. Mặc dù có vẻ như một chút sức mạnh của Austin, nhưng ý tưởng đằng sau hình thức Egg Egg là nó sẽ mang lại cho người dùng một số quyền riêng tư trong khi ở trong không gian công cộng. Và nó hoạt động, cảm ơn nó cao, hai bên. Trứng ban đầu được Arne Jacobsen thiết kế có mục đích cho khách sạn Radisson SAS ở Copenhagen vào năm 1958. Nó trở thành một trong những thiết kế ghế nổi tiếng nhất xung quanh và vẫn là một trong những tác phẩm có thể nhận ra ngay lập tức nhất từ thời kỳ này.
Mô hình: 606 Nhà thiết kế hệ thống kệ phổ quát: Dieter Rams Năm: 1960Year: 1960
Khái niệm của Dieter Rams, cho hệ thống kệ 606 bắt đầu với ý nghĩ rằng "một tủ sách nên là trung tính, cuộc sống của nó đến từ những cuốn sách mà nó chứa." Ông đã mở rộng điều này để tạo ra một hệ thống kệ mô -đun trung tính, hoàn toàn được xây dựng cho mọi ngôi nhà mà nó tồn tại. Được thiết kế vào năm 1960, hệ thống 606 không chỉ là một tủ sách và có thể thích nghi để phù hợp với bất cứ thứ gì bạn cần, từ các đối tượng nghệ thuật cho các tài liệu kiến trúc. Giá trị của nó là trong tính linh hoạt mô -đun của nó và nó có thể nhận ra ngay lập tức từ các đường nét rõ ràng, rõ ràng, thấm vào tất cả các công việc thiết kế của Rams. Nó không khó & nbsp; để thấy di sản mà 606 đã có - hiện tại có những mô phỏng giá rẻ được tìm thấy & nbsp; ở khắp mọi nơi.
Mô hình: Nhà thiết kế đèn sàn Arco: Achille và Pier Castiglioni Năm: 1962Year: 1962
Bản tóm tắt cho đèn sàn Arco rất đơn giản: tạo ra một ánh sáng trên cao mà không gặp rắc rối khi nối nó lên trần nhà. Kết quả là một minh chứng hoàn hảo về điểm ngọt ngào, nơi hình thức và chức năng đáp ứng: một cơ sở bằng đá cẩm thạch nặng, cổ thép cong và bóng đèn treo tự do-tất cả đều hoạt động cùng nhau để tạo ra một vật thể đơn giản như nó có thể và Hoàn toàn đóng đinh ngắn gọn của nó. Được thiết kế bởi anh em Castiglioni ở Milan, đèn Arco được báo cáo là lấy cảm hứng từ ánh sáng đường phố. Kể từ năm 1962, nó đã trở thành một tác phẩm được tưởng tượng nhiều, sinh ra nhiều kẻ bắt chước và loại bỏ. Nhìn xung quanh các cửa hàng ánh sáng hiện đại, thật dễ dàng để nói rằng bạn đã nhìn thấy nó một triệu lần trước đó, nhưng sự rõ ràng của suy nghĩ đã đi vào thiết kế gốc & NBSP; trong thập niên 60 đã chứng tỏ là một điểm xoay vòng thay đổi thiết kế ánh sáng mãi mãi.
Mô hình: 620 Chủ tịch Chương trình Thiết kế: Dieter Rams Năm: 1962Year: 1962
Phương châm của Dieter Rams, là "ít hơn nhưng tốt hơn." Với ý nghĩ đó, nó rất dễ hiểu tại sao người đứng đầu thiết kế Apple Jony Ive lấy cảm hứng gần gũi như vậy từ công việc của mình. 620 chiếc ghế bành thể hiện hoàn hảo ý tưởng này. Trông giống như nó đã được nâng thẳng ra khỏi cabin hạng nhất trên Concorde, thiết kế tối thiểu, chính xác năm 1962 là hoàn toàn mô -đun. Nó thực sự được mô tả là một "bộ phần của các bộ phận, không chỉ là một chiếc ghế" của các nhà sản xuất Vitsoe, người bán & nbsp; nó ngày hôm nay. Phát hành các bu lông, loại bỏ bảng điều khiển bên và bạn có thể xây dựng một chiếc ghế sofa từ bao nhiêu 620 tùy thích. Hơn nữa, nó được thiết kế một cách có ý thức từ các thành phần sẽ trở nên tốt hơn theo tuổi tác, trưởng thành và cải thiện nó được sử dụng nhiều hơn. & Nbsp; một chiếc ghế kéo dài suốt đời, hoặc có lẽ nhiều hơn. Các từ của Mark Edwards cho HighSnobiety.com & nbsp;